Friday Art: »The Art of Fashion: Installing Allusions«

 © 2014 Judith Clark

 

 © 2014 Judith Clark

»The Art of Fashion: Installing Allusions« е изложба, състояла се в "Бойманс ван Бейнинген" в Ротердам в периода 19 септември 2009 - 10 януари 2010, представяща най-новото от работата на пет от водещите модни дизайнери.

Както заглавието подсказва, фокусът и на тази изложба е насочен към тънката граница между светът на модата и изкуството. Дизайнерите дават пълна свобода на фантазията и креативността си, експериментирайки с форми и модели на представяне, инсталации, скулптури - всичко това събуждащо у посетителите илюзията за един въображаем свят.

Един от приносите на изложбата е фактът, че провокира публиката към преосмисляне на традиционните представи за мода и изкуство, подтиквайки я да тълкува езика на дрехите по един нов начин.

А сега малко повече за работата на двама от дизайнерите, представена в изложбата.

»The Art of Fashion: Installing Allusions« is an exhibition, which took place in Museum Boijmans van Beuninging in Rotterdam Sept. 19th 2009 - Jan. 10th, 2010 and is featuring the new work of five of the world's leading fashion designers.

As you might guess from the title, the exhibition focuses on the relationship between fashion and art by fulfilling different creative projects. The designers are experimenting with installations and performances, patterns, shapes, forms, sculptures... the effect of all this is an illusion of one imaginary world.

One of the questions rased by this exhibition is "What do we use allusion to do and where does allusion end?", which means that the visitors feel encourage to think outside the box and look at clothes in different way.

 Now I would like to pay special attention to the work of two famous designers featured in the exhibition.

 © 2014 Judith Clark

Micro Geography: a Cross Section

С проекта, наречен "Micro Geography: a Cross Section", Хюсеин Халаян успява да обедини в едно модата, тялото и природата. 
Чрез поставянето на въртящ се в аквариум манекен, заобиколен от трите природни елемента  вода, въздух и земя, вниманието на публиката бива фокусирано върху движенията, които той извършва.
 С изграждането на тази инсталация Халаян цели не само да убеди в значимостта на презентирането в модния свят, но и да насочи обществеността към взаимовръзката между трите представени елемента (мода, тяло и природа).

With his project »Micro Geography: a Cross Section« Hussein Chalayan tries to bring together fashion, body and nature. To achieve this he places a spinning mannequin in an aquarium surrounded by the elements of nature - water, earth and air. The focus here is on the manequin's movements as cameras film them.

 With this installation Chalayan wants to show the world not only the importance of performance in fashion, but also the relationship between these three elements (fashion, body, nature).

Childhood Memories

За Ана-Никол Циеше модата е важен инструмент за осъществяването на връзка между работата и спомените от детството й.
За реализирането на своята идея дизайнерката решава да използва предмети, напомнящи й на това време - детската стая и пуловерите, оплетени от самата нея.
Именно дрехите, съчетаващи в себе си история и спомени, внасят в проекта личностна нотка и го правят толкова специален.

Anna-Nicole Ziesche uses fashion to bring together her work and childhood memories, therefore
she choose different objects reminding her of that time - her child's room and the jumpers she knitted herself. Her special contribution to this exhibition is that, by using her clothes as a big source of memories and history, the whole project attains a very personal touch.

      Sources:  Judith Clark 

                       HF Collection 

        Video

      

Friday Art: Fashion + Art Collusion

Matthew Williamson 

SS 2012

 Jonathan Saunders

SS 2011

 Jonathan Saunders

SS 2011

 Jonathan Saunders

SS 2011

 

Jonathan Saunders

SS 2011

  

 

Giles Deacon

The Silver Swan Dress

SS 2012

Mary Katrantzou

Harp Hazzard Dress, SS 2012

Темата на днешния "Friday Art" е свързана с нещо много вълнуващо по мое мнение, носещо името Fashion + Art Collusion. Това е проект, част от инициативата, имаща за задача да разкрие пред света интердисциплинарния характер на модата и да установи трайна връзка между нея и изкуството.
Идеята се ражда от фондацията BFC/Bazaar Fashion Arts, благотворителна организация, чиято цел е да обедини на едно място водещите фигури в различни области - мода, визуални изкуства, опера, танци, театър и кино.      В този смисъл проектът, който е главният източник на това многообразие, чества креативността и утвърждава ролята на Лондон като център на този процес.   Той е живото доказателство за това, че професионалисти от различни сфери могат да сътрудничат, черпят вдъхновение за работата си един от друг и по този начин да създават различни, единствени по рода си произведения, съдържащи в себе си елементи от скулптурата, киното, музиката и фотографията.  Сред най-известните имена, вземали участие в проекта са дизайнерите Стивън Джоунс и Хюсеин Чалаян, както и съвременните художници Серит Вин Еванс и Гевин Турк.   ПС: снимките, подбрани за този пост са предимно на модна тематика. Бих ви посъветвала да посетите източниците ми на информация, за да видите останалите нетрадиционни артистични произведения, част от проекта.  Също така тук можете да гледате клипчето, информиращо за целите и идеите на инициативата.           The topic of this "Friday Art" post will be something very exciting called Fashion + Art Collusion. This is a project, part of the initiativ providing the great opportunity to show the world the interdisciplinary character of fashion and to establish a longstanding relationship between fashion and art.    It was conceived by the BFC/Bazaar Fashion Arts Foundation, a charity which aims to bring together the leaders in different fields such as fashion and the visual arts, opera, dance, theatre and film and to celebrate the creativity and London's role as the center of this process. The project proves that different artists can collaborate, inspire each other and create something unique. The results of their collaborations encompasses sculpture, video, music and photography. Some of the famous names featured in the project are the designers Stephen Jones and Hussein Chalayan and the contemporary artists Cerith Wyn Evans and Gavin Turk.     PS: I've selected only fashion related photos for this post, but you can find also many other photos of the untraditional creations from this project. To read more about them visit my sources.  There is also a video about the goals of the initiative, which is really worth watching (click here to watch it)   Sources:  1                       2                        3   

Peter Pilotto/Francis Upritchard

"Arch", 2012

Giles Deason/Jeremy Deller  Final Work "Untitled", 2012 

 

Friday Art: Savage Beauty

The exhibition, organized by The Costume Institute, celebrated the late Alexander McQueen’s extraordinary contributions to fashion. From his Central Saint Martins postgraduate collection of 1992 to his final runway presentation, which took place after his death in February 2010, Mr. McQueen challenged and expanded the understanding of fashion beyond utility to a conceptual expression of culture, politics, and identity. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/about/#sthash.2G93kDjn.dpuf

The exhibition, organized by The Costume Institute, celebrated the late Alexander McQueen’s extraordinary contributions to fashion. From his Central Saint Martins postgraduate collection of 1992 to his final runway presentation, which took place after his death in February 2010, Mr. McQueen challenged and expanded the understanding of fashion beyond utility to a conceptual expression of culture, politics, and identity. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/about/#sthash.2G93kDjn.dpuf

The exhibition, organized by The Costume Institute, celebrated the late Alexander McQueen’s extraordinary contributions to fashion. From his Central Saint Martins postgraduate collection of 1992 to his final runway presentation, which took place after his death in February 2010, Mr. McQueen challenged and expanded the understanding of fashion beyond utility to a conceptual expression of culture, politics, and identity. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/about/#sthash.2G93kDjn.dpuf

The exhibition, organized by The Costume Institute, celebrated the late Alexander McQueen’s extraordinary contributions to fashion. From his Central Saint Martins postgraduate collection of 1992 to his final runway presentation, which took place after his death in February 2010, Mr. McQueen challenged and expanded the understanding of fashion beyond utility to a conceptual expression of culture, politics, and identity. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/about/#sthash.2G93kDjn.dpuf

The exhibition, organized by The Costume Institute, celebrated the late Alexander McQueen’s extraordinary contributions to fashion. From his Central Saint Martins postgraduate collection of 1992 to his final runway presentation, which took place after his death in February 2010, Mr. McQueen challenged and expanded the understanding of fashion beyond utility to a conceptual expression of culture, politics, and identity. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/about/#sthash.2G93kDjn.dpuf

The exhibition, organized by The Costume Institute, celebrated the late Alexander McQueen’s extraordinary contributions to fashion. From his Central Saint Martins postgraduate collection of 1992 to his final runway presentation, which took place after his death in February 2010, Mr. McQueen challenged and expanded the understanding of fashion beyond utility to a conceptual expression of culture, politics, and identity. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/about/#sthash.2G93kDjn.dpuf

The exhibition, organized by The Costume Institute, celebrated the late Alexander McQueen’s extraordinary contributions to fashion. From his Central Saint Martins postgraduate collection of 1992 to his final runway presentation, which took place after his death in February 2010, Mr. McQueen challenged and expanded the understanding of fashion beyond utility to a conceptual expression of culture, politics, and identity. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/about/#sthash.2G93kDjn.dpuf

, 1969–2010). Dress, autumn/winter 2010–11. Courtesy of Alexander McQueen. Photograph © Sølve Sundsbø / Art + Commerce - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/#sthash.Xrs8jnnp.dpuf

AW 2010/2011       Здравейте, читатели! Както вече се убедихте, модата в днешни дни си е проправила път и до едно от местата, характерни за изкуството - музея  (за повече информация прочетете предишния пост от рубриката "Friday Art") Пример за това е изложбата Savage Beauty на Alexander McQueen, състояща се в музея Metropolitan Museum of Art в Ню Йорк. Това е ретроспективна изложба, съдържаща над сто от най-известните творения на дизайнера.
Творчеството на McQueen е известно преди всичко със съчетаването на контрастни елементи и материи, събуждащи противоречиви емоции у публиката.   За да се убедите в това, реших да споделя с вас част от работата на дизайнера, селектирана за изложбата Savage Beauty.  

  Hello, guys!    As you've seen in the latest "Friday Art" post fashion nowadays has also concord the museum - the place for art performance. One example for that is the retrospective exhibition Savage Beauty of Alexander McQueen, which use to take place in Metropolitan Museum of Art in New York. It showcases his work and features one hundred ensambles and seventy accessories from his nineteen-year careeer. Bolton says about McQueen on the eve of Savage Beauty's opening: "The  power of McQueen’s work lies in the frisson and contrast of complete opposites. He was a very emotional designer and the rawness of his emotions was often reflected in his clothing." As you will see in the next photos Bolton has right.   I would like to show you some of the selected objects for the exhibition, which I find especially inspiring. 

Alexander McQueen (British, 1969–2010). Dress, autumn/winter 2010–11. Courtesy of Alexander McQueen. Photograph © Sølve Sundsbø - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/#sthash.Xrs8jnnp.dpuf

   

Sarabande SS 2007   Тази приказна рокля носи името  Sarabande  и е едно от най-добрите произведения на дизайнера. Интересната комбинация на копринена органза и цветя пленява публиката с неповторимост и загадъчност.
  This fairy tail-dress wears the name Sarabande and is one of the best Alexander McQueen's pieces. The combination of nude silk organza and silk and fresh flowers makes it look special and powerful.   

Remember Sam Taylor-Wood’s dying fruit? Things rot. . . . I used flowers because they die. My mood was darkly romantic at the time.” - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/dress-sarabande/#sthash.V1Pu5VXm.dpuf

Highland Rape, AW 1995/96   Тази рокля се нарича Highland Rape и е част от есенно/зимната колекция на дизайнера през 1995/96. Тук отново ставаме свидетели на микс от цветове и материи. Комбинацията от земни цветове и памук и коприна придава на роклята специална и деликатна нотка като същевременно шокира публиката със своето нетрадиционно излъчване. Със създаването на  Highland Rape дантелата се превръща в характерния за дизайнера подпис.     This dress called Highland Rape is from the McQueen's autumn/winter collection 1995/96. The mix of earth colors and materials like cotton and lace makes it appear special and delicate, but  in the same time also quite shocking to the public. With this dress becomes lace a signature of the designer.   

Plato's Atlantis SS 2010   Plato's Atlantis е рокля в сива вълна и коприна в комбинация с принт, събуждащ асоциации за морското дъно. Представянето на необичайното трио е според много модни критици причината за определението на роклята като "хибрид".   Plato's Atlantis is a dress of gray wool and silk knit printed in jellyfish pattern. This  is the model, which many fashion critics define as "hybrid" because of the fabric, cut and all the layers.  

Andrew Bolton: This particular dress came from a collection called VOSS, which was all about beauty. And I think one of McQueen’s greatest legacies was how he would challenge normative conventions of beauty and challenge your expectations of beauty—what we mean by beauty. This particular one is made out of ostrich feathers dyed red. And the glass slides are actually microscope slides that have been painted red to give the idea of blood underneath. And there’s a wonderful quote in association with this dress, where he talks about how there’s blood beneath every layer of skin. And it’s an incredible, again, very powerful, powerful piece. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/dress-voss-3/#sthash.A0PM98MM.dpuf

Andrew Bolton: This particular dress came from a collection called VOSS, which was all about beauty. And I think one of McQueen’s greatest legacies was how he would challenge normative conventions of beauty and challenge your expectations of beauty—what we mean by beauty. This particular one is made out of ostrich feathers dyed red. And the glass slides are actually microscope slides that have been painted red to give the idea of blood underneath. And there’s a wonderful quote in association with this dress, where he talks about how there’s blood beneath every layer of skin. And it’s an incredible, again, very powerful, powerful piece. - See more at: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/dress-voss-3/#sthash.A0PM98MM.dpuf

 Dress No 13, SS 1999   Дойде време да ви представя и своя личен фаворит от пролетно/лятната колекция на 1999. В едно от своите ревюта McQueen решава да утвърди ролята си на пърформанс артист, напръсквайки със спрей бялата рокля на модел в най-различни цветове. Резултатът е наречен "Рокля No 13".   Мнозина модни критици определят този ключов момент като един от най-запомнящите се в цялото творчество на дизайнера.   My personal favorite is Dress No 13. For the production of this dress assumes McQueen the role of performance artist. In one of his runway shows turns white cotton dress into something really powerful by spray-painting with different colors. The most fashion critics define the creation of this dress as one of the most memorable moments of the designer's shows.   Photographer:

©

Sølve Sundsbø    Sources:   The Metropolitan Museum of Art Dazed     

Friday Art: Prada Transformer

By OMA ©   Здравейте!   Отново е петък, което може да значи само едно - време е за рубриката "Friday Art".    Любопитна съм да узная какво асоциирате с думата "мода"? Може би не малко от вас биха я свързали с модни бутици, молове, подиуми и т.н., или с други думи - всички традиционни полета за изява и разпространение на модата. В днешно време обаче редом до обичайните "заподозрени" се нареждат нови, неподозирани места, с които модният бранш е тясно свързан. Конкретен пример за това е музеят. Навярно някои от вас са чували за Prada Transformer. Това е иновативен павилион с формата на тетраедер, разположен в Южна Корея, който притежава възможността да променя структурата си според нуждите и изискванията, свързани с предвиденото събитие. Благодарение на специфичната конструкция, стените често се превръщат в подове, а подовете - в стени.  Музеят е предвиден за организирането на различни модни изложби, културни мероприятия, специални събития и кино прожекции. Първата модна изложба, състояла се през април 2009, носи името "Waist Down - Skirts by Miuccia Prada".  Рем Колхас мотивира новаторската концепция на мобилния музей с желанието за създаване на мултифункционална сграда, която чрез разместване е способна да придобие напълно нов облик.      Какво мислите за цялостната концепция на музея? Допада ли ви?

Hey, guys!   It's Friday which means it's  "Friday Art" time.  I'm curious to know which is your first association with the word "fashion"? I'm sure many of you would think of fashion stores or fashion boutiques - the most usual places for spreading fashion (besides the new medias of course). Maybe you don't suspect, but there are many new places within the fashion industry nowadays.   As you will see in the upcoming posts, there is a strong bond between fashion and the most common art place - the museum.   I don't know if you've heard of Prada Transformer. This is a temporary multifunctional pavilion situated in South Korea. The building has roughly a tetrahedral structure, but it can also take different forms depending on the function for which the building is needed at the moment- it can host a fashion exhibition, cinema, art exhibition or special event. The innovative structure allows the walls of the building to become floors and floors to become walls. The museum has started as a host of the fashion exhibition "Waist Down - Skirts by Miuccia Prada" in April 2009.  Rem Koolhaas explains the idea behind the Prada Transformer: “Rather than having one average condition, we conceived a pavilion that, by simply rotating it, acquires a different character and accommodates different needs.”    What do you think about the innovative concept of this museum? Do you think it's good?   Sources:  Prada Transformer  Dezeen    

Friday Art: »Body Meets Dress, Dress Meets Body«

»Body Meets Dress, Dress Meets Body«, SS 1997 
 Photographer:
Takashi Hatakeyama

 

»Body Meets Dress, Dress Meets Body«, SS 1997

Photographer:

Paolo Roversi 

»Body Meets Dress, Dress Meets Body«, SS 1997
Photographer:

Takashi Hatakeyama

  Здравейте!   Толкова съм развълнувана, понеже днес стартира нова рубрика в блога, озаглавена "Friday Art". Нека ви разкажа малко за това, как се зароди идеята за нея.
Наскоро имах да пиша курсова работа на тема "Модата и изкуството". Ако трябва да бъда честна, в началото бях леко скептична относно формулировката на темата. Изненадващо обаче след задълбочени проучвания открих нови, неподозирани за мен аспекти и узнах куп интересни факти за модната индустрия. Вследствие на тази така обогатяваща работа започнах да гледам по един нов начин на модата и осъзнах колко често се губим в масовите тенденции и забравяме какво всъщност представлява тя. Надявам се да не ви оставя с погрешно впечателение - аз също подкрепям с две ръце достъпните, до болка познати комерсиални трендове, просто смятам, че и аз като повечето хора забравям, че модата всъщност е много повече от това.  В този ред на мисли се почувствах вдъхновена да споделя с вас тази нейна мултидименсионална страна като стартирам нова рубрика в блога, в която фокусът ще бъде върху връзката между модата и изкуството.   За начална тема  избрах една нетрадиционна колекция, която поставя под въпрос всички разбирания за красота и женственост, а именно - колекцията на японската дизайнерка Рей Кабакубо »Body Meets Dress, Dress Meets Body«. Нейното творчество ме впечали заради авангартната нотка в дрехите и играта с форми, цветове и пропорции. Всичко това е доказателство, че дизайнерката, за разлика от останалите представители на бранша, не се интересува от блясъка, разкоша, красотата и женствеността. Чрез колекциите си тя се дистанцира от традициите и утвърдилите се норми в модната индустрия. За риск като този се изисква голяма смелост, а именно това е едно от посланията, които тя иска да отправи към публиката. Кабакубо е уверена в убеждението си, че дрехите са много повече от това, което изглежат на пръв поглед. Със своето творчество дизайнерката потвъждава силната връзка между човешкото тяло и това, в което то е облечено. Точно тук се крие магията в роклите на Кабакубо - човек и облекло се сливат в едно. Всяко място, на което дрехите биват представени се превръща в сцена, а техните притежатели - в актьори.

Приносът на Кабакубо е неоспорим. С колекциите си тя предизвиква истинска революция в модния свят и успява да накара хората да погледнат под един по-различен ъгъл на дрехите - именно това е и целта на тази рубрика.
Какво мислите за представената колекция? Намирате ли я за вдъхновяваща?

Hello, guys!   I'm so excited that it's finally friday, which means it's time for something new and different on my blog. Recenlty I was writing a paper for the university and the topic was: "Fashion and Art" It was really interesting and extending to do the research, because I found so many new things about the fashion industry. I realised how often we get lost in the cheap crowd clothing and forget what fashion really is. Don't get me wrong - I love the cheap commercial trends too, I just think fashion is far more than that.  The point of thе new column in my blog called "Friday Art" will be to convince you in that and to inspire you to look at fashion from a different angle, because it's more than just clothes.   So today I decided to share with you something really inspiring from my point of view. This is the collection »Body Meets Dress, Dress Meets Body«  of the japanese designer Rei Kawakubo.  Kawakubo, unlike the most fashion designers, doesn't seem interested in the glamor, beauty and femininity. As you can see from the photos, her clothes look alternative because of the avant-garde vibe. They are "revolutionary" and questioning all standards of beauty.  In this collection the designer broke the tradition and showed the world that clothes are more than they appear on first sight. Therefore, according to Kawakubo, it's very important to observe them two or three times until you can get their message.  On the other hand the unique dresses from this collection confirm the strong bond between clothing and human body. Тhereby, Kawakubo's clothes are capable of turning every place into a stage where everybody is involved.

Exactly this is that special effect they have - to turn people into actors and spectators.

As you can see Kawakubo is more than just a designer. On this point I have to agree with Vogue: »Kawakubo weathered the outrage, and her larger achievement—her avant-garde triumph—was that she gave people a chance to feel passionately about fashion«.   What do you think about this collection? Do you find it inspiring?  

Sources: 

 Barbara Vinken 

Gertrud Lehnert  
Voguepedia

              Dress SS 2013